1. Стиль жизни

От «русской Джоконды» Ивана Крамского до богинь Ботичелли: что хотели сказать авторы знаменитых женских образов в искусстве

Анастасия Лендьел
Анастасия Лендьел
12.11.2021

Образы женщин в живописи рассказывают истории, передают настроение своего времени и заставляют задуматься о том, как меняется мир. Главное, научиться подмечать детали. В новом материале — известные картины, их краткие истории и скрытый символизм. 

«Неизвестная», Иван Крамской

1883 год

Где посмотреть: Государственная Третьяковская галерея

В наше время Иван Крамской мог бы сделать блестящую карьеру в PR. Разговоры о картине «Неизвестная», которую окрестили «русской Джокондой», не прекращаются больше века. 

Ее художник презентовал в 1883 году на выставке передвижников. Он так волновался, что ушел с мероприятия, не увидев реакцию публики. Волнение оказалось беспочвенным — всем понравилось! 

Но кто изображен на картине? Художник так и не признался. В XX веке ее печатали в учебниках и журналах, перепродавали по частным коллекциям, а в результате она оказалась в Третьяковке. 

Главными «кандидатками» на роль «Неизвестной» были любовница императора Александра II Екатерина Долгорукова, крестьянка Матрена Саввишна и дочь самого Крамского Софья. С каждой из девушек мы видим общие черты: круглый мягкий овал лица, пухлые губы, густые брови, большие черные глаза, выразительная линия роста ресниц и аккуратный нос. Предполагали также, что на картине изображена Анна Каренина, а позже работу связывали со стихотворением Александра Блока «Незнакомка». 

 

Девушка на картине едет в коляске одна — в то время дамы себе такого не позволяли. Так художник показал, что «Неизвестная» не принадлежала к высшему обществу. Скорее всего, она была куртизанкой или содержанкой. Плюс, она одета слишком выразительно для своего времени: темно-синяя шуба с меховой отделкой украшена лентами, муфта, тонкие перчатки, массивные золотые браслеты, берет с белыми перьями и жемчугом. 

«Женщина не столько красива, сколь эффектна, «шикарна». Ее костюм, соответствующий новейшим тенденциям моды того времени, выдает принадлежность к «дамам полусвета», — сказано в описании в Третьяковской галерее. 

«Весна», Сандро Боттичелли

1482 год

Где посмотреть: галерея Уффици, Флоренция 

Женская красота — лейтмотив всего творчества Сандро Боттичелли. «Весна» — не исключение. Первое, что обращает на себя внимание на картине: округлые животы всех изображенных девушек. Что этим хотел сказать художник? Они беременны, или это дань времени, когда в почете были пышные женские формы? 

Картину разделяют на три блока, которые соответствуют трем месяцам весны. Справа — март: бог восточного ветра Зефир преследует нимфу Хлориду, которая затем превращается в богиню весны Флору. По центру — апрель: богиня любви Венера, парящий купидон и три грации. Слева — май: Меркурий. Действие происходит на фоне апельсинового сада и цветущих растений.

Некоторые эксперты ищут смысл картины в самом ее названии. Весна — это символ плодородия и новой жизни. Поэтому на полотне присутствуют и мужские персонажи, без которых продолжение рода невозможно. Кстати, именно эта трактовка впоследствии привела к тому, что картину стали считать волшебной: даже сейчас вы легко найдете форумы, на которых девушки рассказывают, что их долгожданная беременность наступила после того, как они вживую увидели «Весну».

Другая версия происхождения картины более прозаична. Ее заказчиком был Лоренцо Великолепный Медичи, который управлял Флоренцией 25 лет. «Весна» стала свадебным подарком для его кузена, а беременные женщины «напоминали» молодым супругам о том, что затягивать с наследниками не стоит. 

Существует есть еще один вариант прочтения картины: муза Боттичелли Симонетта Веспуччи и ее возлюбленный Джулиано Медичи умерли весной. Поэтому возможно, все персонажи на полотне изображены парящими в воздухе — они символизируют смерть. 

«Возлюбленная» («Невеста»), Данте Габриэль Россетти

1865-1866 год

Где посмотреть: галерея Тейт, Лондон

Английский художник Данте Габриэль Россетти работал над своей «Возлюбленной» год, а после еще долго вносил правки на холст. 

Известно, что Россетти вдохновлялся работами Эдуарда Мане, а именно — картиной «Олимпия». Оттуда позаимствован прием контрастного изображения персонажей. Все внимание на главной героине-невесте: у нее выразительные черты лица и яркие рыжие волосы, в то время как у остальных девушек они темные. 

Интересна и одежда невесты — ее словно собирали по всему миру: платье — японское, украшение — перуанское, фата сделана из экзотических тканей. При этом внешность у девушки — восточно-европейская. 

«Возлюбленная» — это иллюстрация к библейской Песне песней Соломона, поэтому на раме картины высечены две строки из этого произведения: «Возлюбленный мой принадлежит мне, а я ему (2:16)», «Да лобзает он меня лобзанием уст своих! Ибо ласки твои лучше вина(1:2)».

«Италия и Германия», Фридрих Овербек

1811-1828 год

Где посмотреть: Новая пинакотека, Мюнхен 

У этого полотна исторический бэкграунд. Его написанию предшествовало создание в 1810-х годах коммуны немецких художников, приехавших в Рим. Они называли себя «назарейцами» и стремились возродить манеру мастеров Средневековья и Раннего Ренессанса. К ним относился и Фридрих Овербек. 

Над картиной «Италия и Германия» он работал 17 лет. Изначально эта работа должна была стать продолжением произведения Франца Пфорра «Суламифь и Мария» и получить такое же название. Но Пфорр умер в 1812 году, а Овербек не стал завершать полотно. 

Он вернулся к картине спустя 16 лет и изменил концепцию. Если раньше она должна была стать манифестом дружбы двух художников, то сейчас у полотна уже было аллегорическое значение: показать взаимоотношение двух государств – Италии и Германии. 

Страны на холсте изображены в виде девушек: Суламифь — итальянка с темными волосами и вплетенными в них лавровыми листьями, а Германию представляет Мария — у нее светлые косы и миртовый венок. 

Интересная деталь картины — совмещенные пейзажи двух стран. Позади Суламифь видны небольшие дома и природа Италии: зеленые деревья, горы и озера. За спиной Марии — немецкий город с правильными геометрическими пропорциями. 

Одежда у героинь тоже отличается. На Сулифь — платье эпохи Ренессанса, а Марию «одели» в наряд в готическом стиле. 

Сам Овербек о своей картине писал так: «Италия и Германия — это два принципа, которые совершенно чужды один другому. Но моя миссия — соединить их вместе, по крайней мере, во внешней форме моего творения».

«Магический круг», Джон Уильям Уотерхаус 

1886 год

Где посмотреть: галерея Тейт, Лондон

Эту картину впервые представили в 1886 году в Королевской академии. Произведение «Магический круг» понравилось критикам и общественности, и в том же году его купила галерея Тейт за 650 фунтов. 

Тема сверхъестественного и женские образы — главные мотивы, определяющие творчество Джона Уильяма Уотерхауса. Художник считал, что женщины неразрывно связаны с магией — они обладают особенной силой и могут менять судьбы людей. 

В центре «Магического круга» изображена одинокая фигура женщины. И судя по всему, эта женщина — ведьма. Рядом с ней разместился котелок, из которого выходит дым. 

Глядя на главную героиню, не сразу замечаем лягушек и ворон, которых также принято считать символами магии. И еще одна важная деталь — женщина чертит круг вокруг себя палкой. Так автор хотел показать магический обряд. Образы ведьм в разное время привлекали многих художников, но Джон Уильям Уотерхаус относится к своей колдунье с особым трепетом. Он наделил ее привлекательной внешностью, мягкими чертами лица, густыми темными волосами и платьем, украшенным древнегреческими мотивами. 

Темы чудес и магии есть и в других полотнах художника: «Обращение к оракулу», «Святая Евлалия» и «Миранда и буря».

Читайте также